Monte (Robert Pattinson) est seul dans un grand vaisseau spatial avec un bébé. Par des flash-backs, on apprend que ce bateau était habité par un groupe d'une petite dizaine de criminel·les, toustes envoyé·es aux confins de l’univers, comme une bouteille à la mer, à la recherche de trous noirs (j'ai pas trop compris pourquoi).

Je crois que je ne comprends pas trop ce que Claire Denis a voulu raconter dans ce film. Si la photo est belle, les personnages sont assez creux, voire inexistants ; l'histoire se déroule sans qu'on y voie vraiment d'intérêt, sans qu'une émotion s'en dégage. On ne comprend pas trop ce qui motive les personnages, ça manque de substance, de dialogues, de travail sur les personnages. Ici ou là, la science-fictino est traitée par-dessus la jambe – clairement Claire Denis se fout des histoires d'espace, et pourquoi pas dans le fond, mais comme elle n'a pas l'air de s'intéresser aux personnages, je ne vois pas ce qui reste…
Quand les réalisateurices s'attaquent à la SF (voire au space opera), ça peut donc donner High Life ou Ad Astra… Heureusement qu'il y a des films comme Proxima pour réhausser le niveau.

Rama, écrivaine et enseignante en littérature, se rend au procès de Laurence Coly, jugée pour avoir tuée sa petite fille de 15 mois en l'abandonnant sur la plage de Berck-sur-Mer.

C'est un film de procès intense et réussi, en particulier dans les séquences au tribunal, filmées en long plans séquences, alternant en général entre des plans fixes sur Laurence Coly et sur la juge. Le déroulé des faits est clinique, détaillé, minutieux ; les choses se fissurent un peu vers la fin, quand les carapaces se fendent et que l'émotion apparait – je pense aussi à la très belle plaidoirie de l'avocate en regard caméra.
La caméra est plus mobile et vivante dans les séquences en dehors du tribunal, quand on suit Rama dans sa chambre d'hôtel et dans ses souvenirs. Enceinte, elle se projette dans le parcours de Laurence, trouvant des similitudes dans leurs vies ; pourtant même si je comprends bien l'intention d'Alice Diop, je dois bien dire que j'ai été un peu moins convaincu par cette partie, probablement (c'est un défaut qui revient régulièrement) parce qu'à force d'être dans le non-dit, les personnages finissent pas être un peu creux, et que je peine à m'attacher à elleux.
La photo est très belle, la réalisation plutôt brillante et les actrices formidables.

Une modeste tribu de chasseur·ses de lapins se fait chasser de la vallée par une autre civilisation arrivée à l'âge de bronze. Un seul moyen de revenir chez eux : gagner au football contre la redoutable équipe de la ville de bronze…

On n'est jamais déçu par les films du studio Aardman. Comme souvent, c'est drôle, bien écrit, bien réalisé, bien animé, c'est un très bon moment.

La jeune Zazie est à Paris pour le week-end, où elle dort chez son oncle Gabriel (Philippe Noiret). Elle rêve de prendre le métro, mais pas de bol : il y a grève ! Une fois qu'elle a fini d'insulter tout le monde, elle va arpenter la ville, toujours pleine de joie et de gros mots.

Je suis bien embêté avec ce film : il est à la fois fantastique et horrible. Le problème vient principalement d'un personnage, tour-à-tour prédateur d'enfants, dragueur très lourd, flic… La longue séquence durant laquelle il court après Zazie – ce n'est pas explicite mais on comprend très bien ses intentions – est à la fois amusante dans sa mise en scène (c'est du Tex Avery) et terrifiante dans ce qu'elle montre – avec une bonhommie qui rend ça d'autant plus effrayant avec le regard d'aujourd'hui. Les quelques remarques sexistes ou homophobes, sans être très surprenantes pour l'époque, n'égayent pas le tableau.
Et pourtant c'est un film formidable, porté par une formidable actrice. Mais pour moi le plus intéressant est le travail de mise en scène de Louis Malle, d'un invention formelle époustouflante et d'une modernité remarquable. Louis Malle s'approprie le roman de Quenau, et en transpose l'humour et l'invention formelle à l'écran. Il joue avec le cadrage, les lumières, le montage (de nombreux jump cuts permettent de téléporter les personnages, c'est très nerveux et dynamique)… Il y a du surréalisme dans tout ça, de l'expressionnisme, du cartoon. On peut faire des liens avec le cinéma de Jacques Tati (Jour de fête, Traffic…) ou celui de Jean-Pierre Jeunet (dans l'utilisation de la courte focale, et puis Amélie Poulain c'est Zazie devenue adulte) ; mais pour la plupart j'ai l'impression que ces inventions formelles sont restées lettre morte – c'est pourtant plus moderne (et moins prétentieux) qu'À bout de souffle.
Et c'est pour ça que je suis embêté : je trouve la mise en scène géniale, il y a plein de moments formidables dans le film (quelques longueurs aussi, surtout la fin) qui font que j'ai envie de l'adorer et de le recommander à tout le monde ; mais il y a aussi ce prédateur sexuel (et aussi une une longue scène où Philippe Noiret fait l'acrobate sur la Tour Eiffel, mais elle est principalement gênante pour mon vertige).

Rosemary s'apprête à rejoindre en tant qu'archiviste l'équipage du Voyager, un vaisseau un peu rafistolé qui a pour charge de creuser des trous de ver entre différentes portions de l'univers pour relier différents systèmes planétaires entre eux. L'équipage du Voyager est mélangé, on y trouve plusieurs humains (le capitaine Ashby, les deux technicien·es Kizzy et Jenks, Corbin le responsable des algues, et Rosemary) ainsi que des extraterrestres : le Docteur Miam, médecin et cuisinier attachant aux multiples tentacules ; Ohan les navitateurs/paire sianate (un parasite affecte les Sianates, celui les rend multiples tout en leur permettant d'accéder à des régions invisibles de l'univers) ; Sissix la pilote, issue d'une race reptilienne à plumes – et n'oublions pas Lovey, l'IA consciente du vaisseau.
Une fois les présentations faites, le capitaine emmène tout le monde dans une longue mission d'un an, visant à relier le nouveau système Totémi Ka au reste de l'univers.

On l'aura compris avec mon résumé, une bonne partie du roman repose sur la description de races extraterrestres, avec une exploration intelligente et sensible des différentes structures familiales, modes de vie, histoires et coutumes (j'ai un peu pensé à Rossignol d'Audrey Pleynet). Ces descriptions ne sont jamais « ethnographiques » (comme aurait pu le faire par exemple Tolkien), mais plutôt portées par des personnages, et trouvent du sens dans le récit. C'est d'ailleurs dans le travail sur les personnages que se situe la plus grande force de ce livre : iels sont touchant·es, incarné·es, attachant·es. On est saisis par leur histoire, on a peur avec elleux, on souffre avec elleux, et on est un peu triste de les quitter à la fin du livre – il y a des suites, heureusement.

Le reste de la série (1, 2, 3, 4) est tout aussi excellent.

Eve (Joan Fontaine) et Harry Graham (Edmond O'Brien) forment un couple heureux, unis par leur entreprise de congélateurs dans laquelle iels s'investissent à fond, surtout depuis qu'Eve a appris qu'elle ne pouvait pas avoir d'enfants. Mais les choses évoluant, le couple se décide à adopter, ce qui a l'air de réveiller chez Harry des angoisses mystérieuses.
Voilà : un jour qu'il se sentait particulièrement seul dans une tournée à Los Angeles, il a abordé (lourdement) Phyllis, une femme seule elle aussi (Ida Lupino). Au fil du temps et des rendez-vous donnés lors des voyages d'Harry, Phyllis est tombée enceinte, sans savoir qu'Harry est marié.

C'est un film intéressant, filmé avec l'élégance du Hollywood classique : plans qui prennent leur temps pour installer le jeu des acteur·ices ; petits plans séquences avec une caméra mobile afin de faire évoluer la scène ; lumière élégante et sophistiquée ; acteur·ices sobres et élégants·es également. Un ou deux cuts, au moment de franchir une porte pour aller d'une pièce à l'autre, m'ont paru pas très naturels, mais rien de grave – et je suis bien placé pour savoir que c'est un enfer à mettre en scène.
Alors que je craignais un peu de lourdeur au début, le film aborde son thème avec une subtilité certaine, sans chercher à juger les choix d'Harry (il décide d'épouser Phyllis pour que son fils ait son nom, ce qui finit par l'amener au tribunal pour bigamie). La fin est touchante, et le film est suffisamment riche et ouvert pour inciter à poursuivre la réflexion.

Je ne sais pas si c'est un film féministe, c'est un film de 1953, il ne faut sans doute pas avoir des critères contemporains pour juger ce film (et si le film était réalisé par un homme, il est évident qu'on ne se poserait même pas la question). Si on voit deux beaux portraits de femmes, c'est vrai que la drague lourde d'Harry peut ressembler à du harcèlement, et que les rôles genrés sont très clairement définis, et qu'il ne s'agit pas de les remettre en cause.

Not (Benoît Poelvoorde) est un punk à (petit) chien qui décide d'aller s'installer dans une zone commerciale. Il se trouve que c'est pas loin de la Pataterie, le resto de ses parents, et du magasin de matelas où travaille Jean-Pierre (Albert Dupontel), le frère de Not, qui s'apprête à traverser une mauvaise passe.

Le premier avantage de ce film, c'est qu'il se passe entièrement dans des décors qu'on voit très rarement au cinéma : des zones commerciales, des hypermarchés, des parkings à perte de vue, des ronds-points, de grands axes routiers. C'est assez fascinant, et ça a probablement à voir avec l'article sur la « France moche » paru dans Télérama quelques années auparavant. Malgré quelques séquences caméra au poing (mais discrètes, juste un plan fixe qui bouge un peu) un peu reloues, c'est plutôt bien filmé, avec un jeu récurrent sur les premiers plans/arrières plans.
Je ne sais pas trop ce que Delépine et Kervern (Mammuth, Louise-Michel) cherchent à raconter avec ce film. C'est punk, souvent drôle, absurde, un peu foutraque, mais plutôt réussi.